Lässt sich Swing wissenschaftlich quantifizieren?

Als Musiker, der die Kunstform Jazz der schwarzen amerikanischen Musik studiert, fragen Sie sich vielleicht viel über das Wort Swing. Was ist es? Was ist das Swing-Feeling? Lässt sich Swing wissenschaftlich quantifizieren? Für Musiker, die neu im Jazz sind und einen anderen musikalischen Hintergrund haben, kann es oft schwierig sein, das Konzept des Swing zu verstehen. Der New York Jazz Workshop mit seinen besten Fakultäten und Einrichtungen in New York sowie dieser Blog können dazu beitragen, Swing zu entmystifizieren. Wissenschaftsnachrichten hat einen unglaublichen Artikel über die Mechanik des Swing-Rhythmus, auf den später noch eingegangen wird. Bevor Sie diesen Artikel untersuchen, hier ein komprimierter Kontext, wie sich Swing historisch in der Musik manifestiert hat.

Der legendäre Pianist Bill Evans einmal bemerkt, dass die Analyse von Musik kontraintuitiv ist. Schließlich ist das Ziel der Musik fühlen, und emotional berührt werden, einfach ausgedrückt ist Swing etwas, mit dem sich die meisten Menschen, die Jazz hören, identifizieren können. Es ist eine relativ schwer fassbare Qualität, die schwer in der Sprache zu definieren ist, es ist dieser Schwung, das Ding, das Sie dazu bringt, „mit den Füßen zu wippen und Spaß zu haben“, wie Art Blakey 1955 für seine Wende berühmt witzelte Im Café Bohemia Aufnahmen auf Blue Note.

Helen Sung, unerschütterliche New Yorker Jazzpianistin aus Houston, TX, gab eine faszinierendes Interview mit der Jazz Times vor kurzem über ihr neues Album Quartett+ die durch ein Streicherensemble ergänzt wird. In diesem Interview sagte sie etwas, was eigentlich seit 40 Jahren an der Spitze der zeitgenössischen Jazzdiskussion steht, nämlich dass Swing in einem bestimmten Kreis von Musikern altmodisch ist. Ein Großteil des heutigen Jazz kommt rhythmisch aus der Linse eines geraden Achtelgefühls, etwas, das sich Mitte der 60er Jahre in der Musik wirklich bemerkbar machte, als der Jazz zunehmend von Pop- und Latin-Stilen beeinflusst wurde. Jetzt wegen des massiven Einflusses des verstorbenen Hip-Hop-Produzenten J Dilla, in den letzten 20 Jahren ist Jazzrhythmus viel mehr in der Linse seines unverwechselbaren Trunkenbolds geworden, was manche als „bespannt“ empfinden (die Schnittstelle zwischen Swing und geraden Achteln), eine akustische Verschmelzung von Sampler-Heavy und MPC-getrieben rhythmische Grundlage der modernen Musik. In Bezug auf die Quantifizierung des schwer fassbaren „Swings“ berichtete Science News:

Nach dem Hören von originalen und digital optimierten Klavieraufnahmen war die Wahrscheinlichkeit für Jazzmusiker mehr als siebenmal so hoch Musik als „swingend“ bewerten Als das Timing des Solisten in Bezug auf die Rhythmusgruppe teilweise verzögert war, berichten Forscher am 6. Oktober in Kommunikationsphysik.

Im Jazz werden Musiker darauf trainiert, Achtelnoten zu swingen oder die Dauer ihrer Downbeats – jede zweite Achtelnote – zu verlängern und die Beats dazwischen zu verkürzen, um einen galoppierenden Rhythmus zu erzeugen. Aber die Technik allein erkläre den Swing noch nicht, sagt der Physiker Theo Geisel. Computergeneriert Jazz-Songs mit geschwungenen Achtelnoten fehlt immer noch das schwankende Gefühl des Stils (SN: 17.02.22).

Frühere Untersuchungen deuteten darauf hin, dass Swing aus Unterschieden in entstehen könnte das Timing zwischen den Musikern innerhalb einer Band (SN: 1/2/18). Also optimierten Geisel und Kollegen nur das Timing der Solisten in Jazzaufnahmen am Computer und baten professionelle und semiprofessionelle Jazzmusiker, den Swing jeder Aufnahme zu bewerten.

Musiker beurteilten Musik mit fast 7,5-mal höherer Wahrscheinlichkeit als swingender, wenn die Downbeats der Solisten in Bezug auf die Rhythmusgruppe geringfügig verzögert waren, nicht jedoch ihre Offbeats.

Das Interessante an der Studie ist nun, dass sie eine Auswahl von 456 Tracks aus den Subgenres Swing, Bebop und Hardbop untersuchte, die ungefähr eine Zeitspanne von 25 Jahren in der Geschichte der Entwicklung der Musik abdecken. Es gibt jedoch ein Problem mit der Studie, und das liegt daran, dass sie ein begrenztes Spektrum der Musik berücksichtigt und Variationen des Swing ignoriert, wie den schnellen, avantgardistischen, pulsbasierten Swing, das Trommeln im „ECM-Stil“ (ein schrecklicher Begriff) und der auf R&B basierende Swing des Souljazz. Bei vielen brasilianischen Stücken können gerade Achtelnoten so hart swingen, und die Art und Weise, wie Jazz in „Swing“ unterteilt wird, hat eine weitaus begrenztere Konnotation als beispielsweise die ethnomusikologische Definition von Swing, die eine breitere Sicht auf jede Kultur hat hat eine Schaukel. So wie der Jazz dies historisch festgeschrieben hat, hält sich die Jazzkritik relativ in Grenzen. Die Beschränkung des Studiums auf Jazzklavier ist begrenzt. Da kommt man zu dem Schluss, dass mehr Schwung aus dem erzeugt wird niedergeschlagen im Gegensatz zu den optimistisch, was wäre es gewesen, wenn „Remember“ von Hank Mobley analysiert und verändert worden wäre, um dieses Downbeat-Kriterium zu erfüllen? Man kann meiner Meinung nach nicht entspannter und entspannter sein als bei dieser Aufnahme oder irgendetwas anderem Seelenstation oder ein Album, das den Count-Basie-Swing in all seiner Pracht einfängt 88 Basie Street. Ich behaupte auch stark, dass ein Track wie „Sugar“ von Stanley Turrentine, wie er auf dem gleichnamigen Album zu finden ist, die Apotheose dessen ist, was Swing ist, mit Turrentines entspannter Phrasierung und den schwer swingenden Drums von Billy Kaye. Andere Soul-Jazz-Nummern wie Organist Charles Earlands klassische Hit-Aufnahme von „More Today Than Yesterday“ ab Schwarzes Gespräch! ist historisch als Eckpfeiler des Genres. Oder natürlich „So What“, weiter Art von blau.

Was zum Studieren Kommunikationsphysik veröffentlichte DOES beweist die gängige Erzählung in den Mainstream-Medien, die von Wynton Marsalis vertreten wird, dass Swing für den Jazz absolut von größter Bedeutung ist. Und während die Vorstellung, dass alles, was nicht swingt, KEIN Jazz ist, ehrlich gesagt falsch ist, verstärkt die Studie nur diese allgemeine Sichtweise, die in den Mainstream-Jazzmedien ad naseum nachgeplappert wurde, im Grunde so lange, wie dieses Medium existiert.

Heutige Musiker benötigen vielfältige Fähigkeiten für mehrere Genres. Der New York Jazz Workshop bietet viele Kurse, Intensivkurse und Privatunterricht in mehreren Stadtteilen an: Manhattan und Brooklyn sowie Europa. Große Musikalität kennt keine Grenzen oder Genres. Günstig gelegen in der 265 W. 37 St in der Nähe der Penn Station und mit U-Bahn-Haltestellen an jeder Ecke der Schule, macht es den New York Jazz Workshop zur offensichtlichen Wahl.

Lassen Sie sich von einer klassischen Jazz-Aufnahme umhauen: Art Blakey and The Jazz Messengers „A Night In Tunisia“

Lassen Sie sich von einer klassischen Jazz-Aufnahme umhauen. Als Musiker, der vielleicht die Form des Jazz lernt oder vielleicht seine Komplexität nutzt, um ein vielseitiger Musiker zu werden, als Zuhörer werden Sie aufgrund seiner reichen Geschichte den aufgenommenen Jazz vielleicht als einen steilen Berg empfinden, den es zu erklimmen gilt. Durch den New York Jazz Workshop und die fachkundige Fakultät, die sich aus den besten Musikern der Stadt zusammensetzt, und durch das Schreiben in diesem Blog, das leidenschaftlich zu einem Grad an Exzellenz in der Jazzgeschichte tendiert, ist es einfach, sich über einige der klassischen Aufnahmen im Jazz auf dem Laufenden zu halten. Art Blakey und die legendäre Aufnahme der Jazz Messengers aus dem Jahr 1960 Dizzy Gillespie Der Bebop-Klassiker „A Night In Tunisia“ ist genau das.

Art Blakey’s Jazz Messengers waren eines der größten Ensembles in der Geschichte des modernen Jazz. Angeführt von dem explosiven, aufregenden Schlagzeuger der modernen Jazz-Ära, Blakey (geboren am 11. Oktober 1919), der den Namen 17 Messengers ursprünglich in den späten 1940er Jahren verwendete, verwendete er den Namen in Zusammenarbeit mit dem Pianisten Horace Silver. Der Pianist und Schlagzeuger machte mehrere Alben für Blaue Note Und Columbia bevor er sie 1956 als Einheit aufgab. Silver ging, um seine eigenen Gruppen zu gründen, und nahm mehrere ehemalige Messenger-Mitarbeiter mit, nämlich Donald Byrd und Hank Mobley. Blakey behielt den Namen Jazz Messengers und hatte zwischen 1957 und 1959 mehrere Gruppen, einige vorübergehend, andere dauerhaft, wie die Einheiten mit Lee Morgan und Benny Golson an vorderster Front und mit Wayne Shorter, der frisch von Maynard Fergusons Big Band kam ersetzt Golson. Es ist diese Besetzung hier, mit Bobby Timmons und Jymie Merritt, die die Rhythmusgruppe ausfüllen, die Blakeys Ikone aufgenommen hat Eine Nacht in Tunesien für Blue Note im Jahr 1960.

Der Schlagzeuger hatte die Melodie 1957 für RCA und früher für die Legende aufgenommen Eine Nacht im Birdland Alben für 1954. Das letztgenannte Albenpaar auf Blue Note kristallisierte den Jazz-Messenger-Stil in allem außer dem Namen heraus, die Version hier wurde zu einem Showstopper und ein arrangiertes Stück vieler Jazz-Messenger-Sets in den kommenden Jahren. Blakey hatte schon früh auf einer Seite des Albums auf panafrikanische Weise mit Percussion experimentiert Schlagzeug-Suiteaber im darauffolgenden Jahr ging es richtig los mit der Drum-Centric-Aufnahme Orgie im Rhythmus, das Blue Note im Meer der Hardbop-Alben hervorbrachte, erwies sich als Ausreißer im Katalog. Er war schon immer an der gegenseitigen Befruchtung von Rhythmen interessiert, die durch die Vermischung verschiedener Kulturen auf einer Aufnahme erreicht werden konnte, und er verfolgte diesen Ansatz, als er zu ging Rudy Van Gelders legendäre Studio in Englewood Cliffs, NJ, für die zeitlose Aufnahme des Dizzy-Gillespie-Standards.

Ein 16-Takt-Drum-Intro explodiert beim Zuhörer, tatsächlich dürfte das Spielen bei hohen Lautstärken erschrecken. Jymie Merritt setzt mit einem Bass-Ostinato ein, während der Schlagzeuger für einige weitere Refrains soliert, bevor Morgan und Shorter mit dem klassischen Thema und Zwischenspiel für 1 Refrain einsetzen. Von dort nehmen Shorter und Morgan in dieser Reihenfolge jeweils 2 Refrains, dann beginnt die Show für Blakey. Die Percussion der anderen Bandkollegen, wie sie im 16-Takt-Intro zu finden ist, kehrt zurück, die beharrliche 2-3-Clave aus Holzstöcken ist am präsentesten. Blakeys donnerndes Solo hinter Merritts statischem Ostinato, wie zuvor zu hören, ist pure Magie, die sich in den Klangtexturen von widerspiegelt Orgie im Rhythmus Und Urlaub für Skins. Blakey spielt mehrere polyrhythmische Geräte, sein charakteristisches Mambo-Muster fungiert als Motiv zwischen all der perkussiven Wut.

Die Kadenzen von Morgan und Shorter sind ein legendärer Teil des Tracks, und die meisten Trompeter, die in den Jazz Messengers folgten, beziehen sich standardmäßig auf Lee Morgans schmierige, bluesige Kadenz, zu der Blakey bekanntermaßen „blow yo instamint“ und „get mad!“ ermahnt. . Shorters Kadenz steht viel mehr in einer Operntradition, da er nach den höchsten Ebenen des Dramas strebt.

„A Night In Tunisia“ ist ein so wichtiger Track, nicht nur im Kanon der Jazz Messengers, sondern in der gesamten Geschichte des Jazz. Es lehrt Musiker nicht nur, wie man in einer Bandsituation über tiefes Zuhören, sondern auch über das Zusammenspiel lernt. Auch im Arrangement ist es ein durchkomponiertes Meisterwerk der Komposition. Abgesehen von den Hornsoli, auf die sich bei späteren Live-Auftritten dieselbe Frontlinie beziehen würde, ist Blakeys Solo fast vollständig arrangiert, wie das Album Pariser Jam-Session von 1959 weist darauf hin, dass man viel von der gleichen Anordnung hören kann.

Beim Vergleich mit dem Arrangement von „Tunisia“, das Blakey 1954 in Birdland aufgenommen hat, wird der allgemeine Zuhörer oder Student des New York Jazz Workshops die Veränderungen bemerken, die vorhanden sind, als sich die Musik in den folgenden sechs Jahren von Bebop zu Hard Bop bewegte. Die Birdland-Aufnahme ist definitiv eher ein geradliniger traditioneller Bebop-Herd, und in der Version von 1960 sind definitiv die funkigeren Spuren vorhanden, die sich manifestierten, als die Blakey- und Silver-Ausgabe der Jazz Messengers 1955-56 in vollem Gange waren. Am Ende dieses Artikels finden Sie nicht nur Links zu der Version von 1960, sondern auch zur Birdland-Version und zu einer speziellen Version, die 1987 beim Mt. Fuji Jazz Festival mit den Messengers aufgenommen wurde, mit Gästen wie Herbie Hancock und Woody Shaw. Ergänzt durch eine Big Band und Blakey-Jünger, den verstorbenen Ralph Peterson am zweiten Schlagzeug. Die Jazz Messengers waren eine rotierende Tür und haben in den letzten 60 Jahren einige der wichtigsten Musiker hervorgebracht, die das Reich der schwarzen amerikanischen Musik zierten.

Heutige Musiker benötigen vielfältige Fähigkeiten für mehrere Genres. Der New York Jazz Workshop bietet viele Kurse, Intensivkurse und Privatunterricht in mehreren Stadtteilen an: Manhattan und Brooklyn sowie Europa. Große Musikalität kennt keine Grenzen oder Genres. Günstig gelegen an der 265 W. 37th Street zwischen der 8th Avenue und in der Nähe der Penn Station und mehrerer U-Bahnstationen, macht es den New York Jazz Workshop zur einfachen Wahl für hervorragenden Unterricht durch eine Weltklasse-Fakultät, Einrichtungen zum Üben rund um die Uhr geöffnet, New York Jazz Workshop gibt Musikern alle Werkzeuge an die Hand, die sie brauchen, um in jeder musikalischen Situation zu funktionieren.

Samara Joy, Vincitrice ai Grammy-Verleihung 2023 komm besser artista esordiente und komm besser Disco Jazz dell’anno.

Vincitrice ai Grammy-Verleihung 2023komm miglior artista esordiente, Samara Joy McLendonKlasse 1999, nata nel Bronx, è uno dei nuovi talenti della nuova scena jazz vocale statunitense. Dotata di una vocalità vellutata, che a tratti rimanda alla mitica Sarah Vaughnein feines 2022 veröffentlichtes neues deliziöses Album mit „Linger Awhile“, Inhalt 10 Standard-Jazz-Riletti mit großer Maestria und Eleganz, grazie all’apporto di ottimi musicisti come il chitarrista italiano, da tempo residente in USA, Pasqual Grasso, Ben Paterson (Klavier), David Wang (Kontrabass) e Kenny Washington (Batterie). Sin da bambina Samara respira musica, crescendo in una famiglia in cui i suoi nonni, Älterer Golddraht e Ruth McLendonguidavano il gruppo gospel di Philadelphia Die Savettes.

Il padre, invece, ha cantato in tour con Andrea Crouch. La Cantante del Bronx ist ein Künstler-Soul-R&B-Klassiker Stevie Wonder, Georg Herzog, Lalah Hathaway e Musiq Soulchild. E’alla Fordham High School für die Künste, che si appassiona al jazz, esibendosi con la band della sua scuola. veinmal inoltre, komm Migliore Sänger, il concorso Im Wesentlichen Ellington. Nachfolge häufig am College SUNY Purchase und anschließend mit dem Titel „Ella Fitzgerald Scholar“.
Nonostante la giovanissima età, Samara dimostra di maneggiare il jazz con l’abilità di a’artista navigata and ciò posiamo riscontrarlo in questi 10 standard, tra i quali spiccano “Can’t Get Out Of This Mood” und “Guess Who I Saw Today”. “. Der Sänger der Bronx ist seltener, als er am meisten swingt, kommt in „Nostalgia“, che qui viene ribattezzata „The Day I Knew“, brano originariamente strumentale di Fats Navarro al quale lei ha aggiunto un proprio testo, rinverdendo così i fasti della mitica tradizione del vocalese (consistente nell’appplicare parole ad assoli jazzistici strumentali). Zu guter Letzt „Round Midnight“, das Repertorium von Thelonious Monk, das Finale „Someone To Watch Over Me“, ein Stück der Brüder Gershwin, das in einer intimen Version für Chitarra und Stimme brillant ist, grazie al supporto di Pasquale Grasso, Chitarrista apprezzato anche da Pat Metheny.

 

Ci troviamo così di fronte a un disco ineccepibile dal punto di vista musicale, in cui la voce di Samara riesce bene a comunicare il sentimento di questi standard, senza perdersi in ginnastiche vocali fini a loro stesse. Ich bin ein Grammy, ein ausgezeichneter Künstler und ein ausgezeichneter Disco-Jazz von Anno, sono stati vinti meritatamente, forse è ancora prematuro stabilire se farà storia o no. Come si dice, „ai posteri l’ardua sentenza“. Però è anche vero che il buongiorno si vede dal mattino e Samara si mostra ben preparata nell’affrontare la materia jazzistica e di saperla padroneggiare in modo impeccabile, forte anche di una musicale solida, affiatata e capace. E se questo è un ottimo inizio, allora non ci resta che augurare a Samara un grosso in bocca al lupo e l’augurio di una carriera ricca di gioie e soddisfazioni. Los, Schwesterchen!

Als der ‘Humming Chorus’ während einer Aufführung von Puccini gespielt wurde Madame Schmetterling Im Minack Theatre blickte Butterfly sehnsüchtig aufs Meer hinaus und wartete auf Pinkertons Rückkehr. Das Schicksal spielte Regie, als eine dreimastige Yacht in die vom Mond erleuchtete Bucht einfuhr. Ein schönes Beispiel für die großartige Natur und die darstellenden Künste, die sich zusammenschließen, um einen Moment purer Schönheit zu erschaffen, sind heute im Minack alltäglich. In diesem erhabenen Amphitheater in Porthcurno, im Südwesten von Cornwall, reicht die Bühne eigentlich nur aus, um den Blickwinkel zu decken. Der 90 Jahre alte Veranstaltungsort umfasst Freilufttheater unter den Sternen in all seiner Pracht auf einer Klippe am Meer.

Die dramatische Open-Air-Arena mit ihren natürlichen Konturen, den subtropischen Gärten und der asymmetrischen Bühne macht sie zu einem ungewöhnlichen Ort. Zoë Curnow, Executive Director, betont, dass zwar alle Outdoor-Aufführungen eine Herausforderung darstellen, aber die Steilküste zusätzliche Anforderungen und unglaubliche Vorteile mit sich bringt. Die silberne Spur des Mondaufgangs über einem dunklen Meer ist ein Effekt, der einige der besten Lichtdesigns der Welt regelmäßig in den Schatten stellt. Eine laute See, starker Wind oder ein gelegentliches Gewitter können jedoch zu einer anderen Art von Showstopper werden. Viele Aufführungen wurden von einer Schar Delfine, die die Bucht überquerten, oder einem frechen Seehund, der um die Minack-Felsen herumhüpfte, zerstört. „Manchmal müssen wir eine Aufführung einfach unterbrechen, bis die Tierwelt beschließt, weiterzumachen“, sagt Curnow.

Unternehmen, die ihre Produktionen bringen, müssen sich nicht nur mit dem ungewöhnlichen Layout und dem fehlenden Rücken zur Bühne auseinandersetzen, sondern auch mit den Kuriositäten, die dem Publikum weniger bewusst sind. Die Tatsache, dass auf der Bühne eine viel stärkere Spielposition ist als auf der Bühne, und dass das Publikum steil über das Bühnenniveau angehoben ist, was die Schauspieler dazu zwingt, den Kopf immer nach oben zu halten, ist ein Detail, das niemals verloren gehen darf. Die besten Shows sind immer diejenigen, die die einzigartige Umgebung des Minack als Teil des Erlebnisses einbeziehen.

Die unkonventionelle Bühne ist eine Herzensangelegenheit der Gründerin und „Baumeisterin“ Rowena Cade. Nachdem sie ihren Vater im Ersten Weltkrieg verloren hatte, zog Cade nach Cornwall, wo sie ihr Haus, Minack House, baute, das noch heute auf der Klippe zu sehen ist. Als eine lokale Produktion von The Tempest eine Bühne brauchte, bot sie ihren Klippengarten an, ohne zu wissen, was eigentlich der Beginn ihres Vermächtnisses sein würde. Ein Großteil des Theaters wurde mit ihren Händen gebaut – sie schnitt Steine, trug Säcke aus Beton, gemischt mit Sand vom Strand, und gravierte komplexe Designs mit einem alten Schraubenzieher in die Terrassen. Mehrere Features der Bühne, wie sie heute existieren, wurden für eine Produktion von geschaffen Tristan von Cornwall 1951, während der rechte Bühnenbalkon gebaut wurde Romeo und Julia ein 1974.

„Cade ist die Inspiration für alles, was wir im Minack tun. Ihr physisches Vermächtnis ist überall um uns herum in jedem Stein und Betonstück“, sagt Curnow, als sie über die Rowena Cade-Ausstellung im Minack spricht, die der Erzählung ihrer außergewöhnlichen Geschichte gewidmet ist. Mit visuellen Darstellungen, Erinnerungen, Artefakten, Führungen, interaktiven Darbietungen und Schatzsuchen reist die Ausstellung durch Cades Leben, das größtenteils mit dem Bau des Theaters verbracht wurde. Schauspieler Mark Harandon hat ungefähr ein Jahrzehnt damit verbracht, die Rolle von Billy Rawlings, Cades Gärtner und erstem Helfer, zu spielen. Er erzählt den Besuchern die Geschichte der langen Freundschaft zwischen dem vornehmen Cade und dem Gärtner aus Cornwall.

Die Arena, die Cade im Winter 1931/32 baute, war für eine einwöchige Serie von The Tempest konzipiert. Die Saison 2022 im Minack sah eine Rückkehr der Produktion zusammen mit einer Sonderausstellung, die dem 90-jährigen Jubiläum des Theaters gewidmet war, und schloss den Kreis. In diesen neun Jahrzehnten hat das Minack unzählige Hindernisse überwunden, die für einen Raum für darstellende Künste seiner Art einzigartig sind. Die in den Beton mit hohem Salzgehalt eingebetteten Metallstäbe, um ihnen Festigkeit zu verleihen, korrodierten im Laufe der Zeit. In den 1990er Jahren musste die Bühne verstärkt und neu verlegt werden, da sie ins Meer zu rutschen drohte. Zuletzt musste die Umkleidekabine komplett abgerissen und neu aufgebaut werden. „Jeden Winter müssen wir die Schäden durch Wind und Wasser reparieren. Wir mischen Beton immer noch von Hand und erstellen das Finish genau so, wie es Cade getan hat. Allerdings verwenden wir jetzt kommerzielle Materialien, keinen Sand vom Strand“, sagt Curnow.

Das Minack ist nicht nur ein Theater, sondern auch eine Besucherattraktion und führt eine Reihe von Bildungs- und Öffentlichkeitsarbeit durch. Curnow erklärt: „Das Minack ist aus der lokalen Gemeinschaft herausgewachsen, und es ist zwingend erforderlich, dass wir seinen Erfolg nutzen, um die Entwicklung der darstellenden Künste in Cornwall zu unterstützen. Mit kostenlosen Workshops und Shakespeare-Festivals für lokale Schulen bieten wir auch Schauspielkurse für benachteiligte Kinder und Jugendliche, die Traumata und Verluste erlebt haben, sowie einen Kurs für Erwachsene mit besonderen Bedürfnissen.“

Mit all dem, was das Minack tut, hinterlässt es einen bleibenden Eindruck bei Besuchern – Publikum und Künstlern gleichermaßen. Es wäre nur fair, wenn Curnow uns eine Erinnerung hinterlassen würde, die anderswo nicht hätte gemacht werden können. Als Mitternachtsmatinee von Titanic – Das Musical Anlässlich des 100. Jahrestages des Untergangs des „unsinkbaren“ Schiffes auf der Bühne entfaltet, war die Aufführung akribisch zeitlich so abgestimmt, dass der Moment, in dem das Schiff auf den Eisberg aufschlug, auf die Minute genau 100 Jahre nach dem eigentlichen Ereignis liegen würde. Aber was sich herausstellte, war etwas, das über den Showflow hinausging. Das Publikum traf ein und fand Eishaufen rund um die Terrassen, weil das Theater früher am Nachmittag von einem heftigen Hagelschauer heimgesucht wurde. Überraschenderweise schmolz es nicht. Ein Wetterunfall im April erzeugte einen Effekt, den die ausgefeiltesten Produktionspläne nicht erreichen konnten. Während der Aufführung glitt eine dunkle Gestalt in die Bucht und als die Besatzung der Titanic ihre Notfackeln abfeuerte, wurden sie von weiteren Fackeln aus dem Meer beantwortet, als das Penlee-Rettungsboot vor dem Minack Rock auftauchte. Eine Trainingsübung war arrangiert worden, um mit der Aufführung zusammenzufallen. Die Nacht prägte sich als Souvenir ein, das die Leute an diesem Abend mit nach Hause nahmen – eine einzigartige Minack-Erinnerung.

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Oh Boy Records wurde 1980 von John Prine, Al Bunetta und Dan Einstein gegründet, als Prine nach seinem Umzug nach Nashville beschloss, ein wirklich unabhängiger Künstler zu werden. Es ist selten, dass ein von Künstlern gegründetes Plattenlabel zu einer Ikone wird, aber Oh Boy hat es wohl getan, da es nicht nur ein Hauptmarketinginstrument für die meisten Aufnahmen von John Prine war (er war einer der Gründer), es hat auch die Karrieren von John Prine gefördert und gefördert andere sehr bemerkenswerte Singer-Songwriter wie Kris Kristofferson, Todd Snider und Janis Ian. Von Anfang an hat sich Oh Boy nicht nur zu einem eindrucksvollen Beispiel für einen Künstler entwickelt, der seine Karriere in die Hand nimmt, sondern auch zu einem Zentrum für kreative und unabhängig denkende Musiker in Nashville und darüber hinaus. In den 2010er Jahren erlebte das Label eine Renaissance, hauptsächlich durch die Bemühungen von Prines Frau Fiona und Sohn Jody Whelan, die einige der aufregendsten neuen Stimmen in der Folk- und Americana-Musik unter Vertrag nahmen: Tré Burt, Kelsey Waldon, Arlo McKinley und Emily Scott Robinson . Oh Boy ist eine starke Präsenz in der Musikszene von Nashville, ein Zuhause für diejenigen, die das große Label-Spiel nicht spielen können oder wollen, und ein Modell für alle, die im 21. Jahrhundert im Musikgeschäft tätig sind.

„Black Byrd“ des Trombettisten Donald Byrd: Der Ursprung der Sincretismo Sonoro Tra Jazz und Soul-Funk seit Jahrzehnten

Abbiamo parlato, nel lastimo articolo, della contaminazione tra jazz e soul-funk, raccontandovi del progetto Buckshot LeFonque di Brandford Marsalis. Oggi torniamo a parlare di questo sincretismo sonoro, ma tornando indietro di 2 decenni. Precisamente ci sposteremo verso il 1973, con l’album „Black Byrd“ of trombettista Donald Byrd. Nato anagraficamente come Donaldson Toussaint L’Ouverture Byrd II, a Detroit il 9 Dicembre 1932, and deceduto a Dover (Delaware), il 4 Febbraio 2013, fa parte of quella schiera di musicisti jazz hard-bop che successivamente si sono spostati sul versante soul-funk with ottimi risultati e con prodotti di gran pregio. Con all’attivo collaborazioni con Herbie Hancock, Thelonischer Mönch, Sonny Rollinsnel 1969 ha dato una svolta al suo stile Introductionndo Sonorità Elettriche.

 

Questo suo suono prenderà meglio forma nel 1973, grazie al sodalizio con i fratelli Mizell (Larry e Fonce) und mit dem Album „Black Byrd“, tra i più venduti della Blue Note del periodo. Sappiamo quanto quest’etichetta sia semper stata una garanzia per gli amanti del jazz, grazie a perle discografiche dal valore inestimabile. Ma anche durante gli anni ’70 ha saputo deliziarci con gemme vicine al soul e al funk, di quelle che già da allora guardavano felicemente al futuro e che negli anni ’90 faranno la gioia di molti artisti acid-jazz, neo-soul e hip -hop. Basti pensare alla flautista Bobby Humphreyall’organo di Bruder Jack McDuffoa Musiker kommen Lou Donaldson, Gewähren Sie Grün, Bobby Hutcherson, tanto per fare degli esempi. Oggi focusizzeremo la nostra attenzione su questo disco di Donald Byrd, un lavoro che ancora oggi è capace di dare ottime lezioni di vero groove, grazie a brani come la title-track, dalle atmosfere poliziesche (molte colonne sonore dei poliziotteschi italiani anni ’70 saranno Einfluss auf den Soul-Funky-Sound des Periods), oder den Groove von „Love’s So Far Away“ haben, der eine Dismisura Lungo la sua durata ist. Ottima anche „Slop Jar Blues“, die aufgegangen sind aus einem unwiderstehlichen funky Quasi Wonderiano und einem bluesigen Cantato, aber auch aus dem Soul des Finales „Where We Are Going?“ non scherza in quanto a suoni e ritmi impeccabili. In tutto il disco la tromba di Donald Byrd si intreccia alla perfezione con il resto della sezione fiati e il flauto di Roger Glenn, presenza costante nel lavoro. E ci sono anche grandi nomi kommen Joe Probe con il suo piano elettrico e le chitarre di Dekan Parks e David T. Walkeroltre che il basso di Winton Felder e la Batterie di Harvey Mason. Tutto pro circa tre quarti d’ora di groove allo stato puro, senza freni e capace di far volare altissimo l’ascoltatore grazie alle soluzioni armoniche offerte.

Come tutti i musicisti del suo periodo, quelli provenienti dal jazz più canonico, anche Donald Byrd non è stato risparmiato dalle kritihe dei puristi, che hanno Considerato „Black Byrd“ una sorta di tradimento. Ma la storia ha dato ragione al trombettista di Detroit, forte anche dell’influenza che questi musicisti hanno esercitato su artisti neo-soul negli anni a venire. Un esempio ci viene dato da Erykah Badu, die nicht mancherisch wiedergegeben wird, um Donald Byrd mit einer eigenen Version von „Think Twice“ zu würdigen, die auf dem Album „Worldwide Underground“ (2003) enthalten ist. Dopo „Black Byrd“, die Trombettista Statunitense Punterà Più in Alt mit anderen gemme Soul-Funky kommen „Street Lady“ (1974), „Stepping Into Tomorrow“ (1975) und „Places and Spaces“ (1976), lavori che al giorno d’oggi suonano più che mai attuali. La Blue Note sin dai suoi tempi più remoti non ha mai smesso di stupire, il suo catalogo è uno scrigno ricco di meraviglie e tesori, non solo per quanto riguarda gli anni ’50 e ’60, ma anche per un decennio come i ’70 , con prodotti che col tempo sono finiti negli scaffali dei più accaniti collezionisti di vinile raro.

Francesco Favano

Oh Boy Records wurde 1980 von John Prine, Al Bunetta und Dan Einstein gegründet, als Prine nach seinem Umzug nach Nashville beschloss, ein wirklich unabhängiger Künstler zu werden. Es ist selten, dass ein von Künstlern gegründetes Plattenlabel zu einer Ikone wird, aber Oh Boy hat es wohl getan, da es nicht nur ein Hauptmarketinginstrument für die meisten Aufnahmen von John Prine war (er war einer der Gründer), es hat auch die Karrieren von John Prine gefördert und gefördert andere sehr bemerkenswerte Singer-Songwriter wie Kris Kristofferson, Todd Snider und Janis Ian. Von Anfang an hat sich Oh Boy nicht nur zu einem eindrucksvollen Beispiel für einen Künstler entwickelt, der seine Karriere in die Hand nimmt, sondern auch zu einem Zentrum für kreative und unabhängig denkende Musiker in Nashville und darüber hinaus. In den 2010er Jahren erlebte das Label eine Renaissance, hauptsächlich durch die Bemühungen von Prines Frau Fiona und Sohn Jody Whelan, die einige der aufregendsten neuen Stimmen in der Folk- und Americana-Musik unter Vertrag nahmen: Tré Burt, Kelsey Waldon, Arlo McKinley und Emily Scott Robinson . Oh Boy ist eine starke Präsenz in der Musikszene von Nashville, ein Zuhause für diejenigen, die das große Label-Spiel nicht spielen können oder wollen, und ein Modell für alle, die im 21. Jahrhundert im Musikgeschäft tätig sind.

La nostra macchina del tempo oggi torna al 1994 con l’omonimo disco dei Buckshot Lefonquecollettivo creato da Branford Marsalis.

Jazz und Soul-Funk. Una contaminazione non semper ben vista dalla criticala, basti pensare a nomi come Herbie Hancock, Patrice Rushen, Roy Ayer, George Benson. Tutti nomi provenienti dal jazz più canonico, ma che negli anni ’70 si sono spostati sul versante soul-funk con risultati eccellenti e con prodotti di ottima fattura che hanno saputo guardare al futuro und größeren Einfluss für verschiedene Neo-Soul- und Acid-Jazz-Künstler. Lacrita più purista e intransigente non semper ha gradito questo cambio stilistico, anzi spesso lo ha Considerato come un vero e proprio tradimento, una blasfemia. Ma il tempo e la storia della musica si sono dimostrati dalla parte di questi artisti, testimoniando come fosse möglich offrire una nuova e sorpendente dimensione artista a generi come l’R&B, il funk, il soul e l’hip-hop, mettendo al loro servizio la formazione del jazz classico.

 

Oggi vi trasporteremo con la nostra macchina del tempo nel 1994. Die fragliche Disco ist der sassofonistische Jazz Branford Marsalis, uno dei musicisti di fiducia di Stachel e uno dei più bravi jazzisti contemporanei, che durante la metà degli anni ’90 fece incontrare the sua jazzistica with the suoni hip-hop, funk and urban. Non senza la disapprovazione del fratello Wynton Marsalis, purista impenitente. Branford, grazie al suo collettivo denominato Buckshot Lefonque (nome ispirato allo pseudonimo adoperato dal sassofonista jazz Julian Cannonball Adderley for l’album „Here Comes Louis Smith“), dà vita a uno strepitoso album, prende il nome dello stesso group. Il lavoro si presenta variegato, pur nella sua omogeneità, e trae linfa da pezzi kommt der Soul-Jazz von „The Blackwidow Blues“, mit dem Campionnamento del Brano di John Coltrane intitolato „Indien“, „Wonder & Signs“ und „Hotter Than Hot“, suchen den ultimativen Ruf von Raggamuffin. Frank McComb ci offre la sua deliziosa voce nel classico di Elton John intitolato „Mona Lisas (And Mad Hatters)“, mentre la voce dell’attrice e cantante Tammy Townsend conferisce magia alla dannatamente soul „Ain’t Funny“. Der Funk-Summer ist ein Teil des Leones in „Some Cow Fonque“, der Groove ist so gut wie unmöglich, es ist ein perfekter Test und ein Spiel, aber auch „Breakfast @Denny’s“, präsentiert er in einer Rap-Version, mit Saxophon und Hip-Hop-Scratch si compensano alla perfezione.

Siehe auch das gesprochene Wort von „I Know Why The Caged Bird Sings“, ist ein all’omonimo Libro della mitica poetessa afroamericana Maja Angelou, der stürmische Funk-Rock und Graffiante von „No Pain, No Gain“. Tutto il disco si avvale del contributo di DJ Premierer war der Rapper Guru im Duo Gangstarr, ein Produzent und Beatmaker tadellos ed Esperto nel connubio tra Hip-Hop und Jazz, capace di dare al lavoro quella freschezza e fluidità pochi altri al mondo. Anche Branford Marsalis, come gli artisti citati nelle prime righe, non è stato immune alle frecciate dei puristi incalliti. Ma tuttora quest’opera continua a dare ottime lezioni di sincretismo sonoro, basti pensare a ciò che negli anni successivi hanno fatto il compianto Roy Hargrove (presente con la sua tromba in questo disco) col suo progetto funky Rhesusfaktorz Robert Glaser, che con i suoi Robert Glasper Experiment è riuscito a far convivere in perfetta armonia jazz con neo-soul, R&B e hip-hop. E queste sono le risposte che spettano agli scettici, una chiara dimostrazione di come le contaminazioni, soprattutto se prodotte con gran gusto e sapienza, possano rendere il jazz capace di evolutionersi e bagnarsi di varie forme e linguaggi, uscendone però più rafforzato e invogliando anche le nuove generazioni a riscoprirlo. Più o meno come hanno saputo far in quei periodi Guru con i suoi album Jazzmatazz, e gli US3che hanno attinto aus dem Katalog Blue Note.

Branford Marsalis wurde 1994 neu geboren und produzierte Buckshot Lefonque mit dem Vorgänger „Music Evolution“ (1997), den großartigen Inhalt „Another Day“, die erhabene Kantate von Frank McComb und einen Neo-Klassiker -Seele. Alle lasciamoci trasportare dal groove and dall’energia di „Buckshot Lefonque“ and ringraziamo Branford Marsalis for la sua creatività, vielseitigità e pro il groove che sa sprigionare insieme tutto il resto dei musicisti. Groove weiter, Bruder!

Lernen Sie die Tools wie ein Profi mit Terry Dame

Als Produzent bist du mit deinem Latein am Ende. Lernen Sie die Tools wie ein Profi mit Terry Dame! Sie haben die MIDI-Akkord- und Beat-Making-Packs ausprobiert und festgestellt, dass ihr Umfang so begrenzt ist. Außerdem haben Sie sich in der Produktion versucht, finden aber, dass es zu teuer ist, dafür an eine Universität zu gehen. Dort haben Sie den New York Jazz Workshop gefunden. Der New York Jazz Workshop verfügt über einen Kader unglaublicher Fakultäten und Mitarbeiter, die allen Musikern die Fähigkeiten vermitteln, die sie benötigen, um hervorragende Musiker zu sein, und es ist nicht nur auf Jazz reduziert. Die Produktion wurde zur hohen Kunst erhoben, und jeder von ihnen Alfred Löwe, Franz Wolff, Norman Granz, Manfred Eicher, Quincy Jones, J DillaUnd RZA haben sich als einige der größten Musikproduzenten einen Namen gemacht. Um in der Branche konkurrenzfähig zu sein und Produktionen musikalisch hervorzuheben, muss man sich auskennen Profiwerkzeuge, die Digital Audio Workstation, die seit zwanzig Jahren der Goldstandard ist. Es ist die DAW, nach der alle anderen beurteilt werden, und die Geschichte der DAW war eine bewegte Geschichte von den Vorgängern, die die vielen Funktionen, die heute enthalten sind, innovativ machten. Diese Innovationen wurden von der Pionierarbeit geleistet Fairlight, Das Synklavier von New England DigitalDie E-Mu-Emulatordie sich über Cubase und Logic erstreckt

Der NYJW Pro Tools-Kurs wird von dem wunderbaren Terry Dame unterrichtet. Frau Dame praktizierte seit ihrem 8. Lebensjahr Trompete und Klavier und verfolgte diese Instrumente aktiv bis zur High School. Ihre Instrumentalpraxis unterbrach sie für eine Weile, als sie einen Bachelor-Abschluss in Umweltwissenschaften anstrebte und ihren BS erhielt. Im Jahr 1985, dem oben erwähnten Jahr für große Fortschritte im technologischen Fortschritt an der Musikfront, zog sie nach New York, griff zum Synthesizer und begann mit dem Sounddesign, bald wurde sie vom WOW Cafe Theatre engagiert, wo sie nicht nur anfing, den Synthesizer zu spielen Saxophon, sondern komponierte vier Multimedia-Shows. Während sie an der Graduiertenschule Komposition bei Art Jarvinen studierte, begann Dame, ihre eigenen Instrumente zu bauen, und studierte unter einigen der führenden Namen in der Avantgarde-Welt, wie dem legendären Trompeter/Komponisten Wadada Leo Smith, Vinny Golia, kehrte 1998 nach New York zurück und gründete das Ensemble Electric Junkyard Gamelan. Derzeit beschäftigt sie sich mit der Entwicklung sensorbasierter Musikinstrumente und konzentrierte sich in den letzten Jahren auf Komposition, indem sie für Shows wie z ESPN: 30 für 30 Und Jagd im Krieg von Samantha Farinella. Dame hat die Serie auch kuratiert Seltsame Mittwoche.

1983 veröffentlichte E-Mu die Schlagzeuger, was nach heutigen Maßstäben ein primitiver Drumcomputer ist. Evan Brooks und Peter Gotcher, Highschool-Freunde, die ebenfalls Interesse an Aufnahmen, Musik und Elektrotechnik hatten, waren fasziniert von den Möglichkeiten der Schwestermaschine des berühmten E-Mulator-Sampling-Keyboards und wollten mehr über die Funktionsweise des Drumulators herausfinden . Verglichen mit modernen Samplingraten von bis zu 96 oder 128 kHz sind die 12-Bit-Samples, die der Drumulator enthielt, für die damalige Zeit zwar erstaunlich, aber derzeit nicht viel. Tatsächlich waren die ersten digitalen Audiokonverter (DAC) in CD-Playern etwa 12 Bit. In den frühen 80er Jahren war das Sampling und Aufnehmen nur für diejenigen mit großen Taschen möglich, der Sound der Popmusik in den 80er Jahren wurde von Fairlight und Synclavier dominiert, die auch Aufnahmekapazitäten hatten. Als Quincy Jones und Michael Jackson mit den Sessions für das dritte Album des Sängers, The Smash, begannen Schlecht 1985 (ein Jahr, das einen großen technologischen Wandel zu markieren schien) wurden fast alle aufgenommenen Tracks und alles, was auf dem Album zu hören ist, in das Synclavier-Sampling aufgenommen und verwendet. Brooks und Gotcher führten in diesem Jahr eine Schnittstelle ein, die das Sampling auf eine breitere Basis bringen sollte, und 1989 wurde Sound Design, die erste Iteration von Pro Tools, geboren.

8 Jahre später übernahm Sound Design den heutigen hochauflösenden Industriestandard von 24 Bit, 96 KhZ Auflösung für Aufnahmen. Bis 2002 wurde Pro Tools zusammen mit anderen Produkten auf dem Markt wie Logic und Cubase zum Industriestandard. Wenn Sie eine professionelle Aufnahme hören, wird diese höchstwahrscheinlich mit Pro Tools erstellt. Während andere vergleichbare Produkte wie der einst branchenprägende Cakewalk von BandLab im Einsatz sind, muss man heute in der Lage sein, Pro Tools zu verwenden, um auf dem Markt wettbewerbsfähig zu sein, da es nicht nur für Musikaufnahmen verwendet wird, sondern auch von großen Nachrichtenagenturen für die Aufnahme und Bearbeitung von Hörgeschichten.

Der New York Jazz Workshop ist eine attraktive Einrichtung für die Menge an Möglichkeiten, die er für den alltäglichen Musiker bietet. Dank der günstigen Lage in der Nähe mehrerer U-Bahn-Stationen und der Penn Station ist das Pendeln ein Kinderspiel. Es gibt nicht nur rund um die Uhr Zugang zu den Übungsanlagen per Schlüsselkarte, sondern auch einen hervorragenden Aufführungsraum, der auch für besondere Veranstaltungen gemietet werden kann. Die Schule widmet sich dem Unterrichten von Musikern aller Niveaus in einer nährenden und warmen Umgebung, die darauf ausgelegt ist, Schwächen anzugehen und zu stärken und gleichzeitig die Stärken jedes Musikers oder Sängers zu loben. Jazz oder Black American Music ist ein weit gefasster Begriff, der für verschiedene Menschen viele Dinge bedeutet. Es gibt so viele verschiedene Ströme im Ozean, die diese Kunstform ausmachen, dass es für diejenigen, die zum ersten Mal dazu kommen, verwirrend sein kann. Während einige Jazz aufgrund von Interaktionen mit Liebhabern dieser Form oder vielleicht etwas, das sie online lesen, als unzugänglich empfinden, ist es auch eine erdbasierte Volksmusik, die weiter gedeiht und sich entwickelt. Jazz ist ein so großer Strom, dass Anfänger bis hin zu fortgeschrittenen rhythmischen, harmonischen, improvisatorischen und melodischen Konzepten, die an der NYJW unterrichtet werden, allen Musikern die Werkzeuge geben, die sie benötigen, um die Musik ihrer Wahl aufzuführen.

Heutige Musiker benötigen vielfältige Fähigkeiten für mehrere Genres. Der New York Jazz Workshop bietet viele Kurse, Intensivkurse und Privatunterricht in mehreren Stadtteilen an: Manhattan und Brooklyn sowie Europa. Große Musikalität kennt keine Grenzen oder Genres. Günstig in der Nähe der Penn Station und mehrerer U-Bahn-Stationen in der 265 W. 37th Street zwischen der 8th Avenue gelegen, ist es leicht zu erkennen, warum der New York Jazz Workshop die beste Wahl ist, um sowohl musikalische als auch produktionstechnische Anforderungen zu erfüllen.